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Evincé injustement de la dernière sélection du Goncourt 2014, Eric Reinhardt est pourtant l'écrivain qui a égayé la rentrée littéraire avec une plume enlevée, un style unique et surtout, une histoire captivante et dans l'air du temps.
L'amour et les forêts est clairement un livre de femmes, écrit par un homme, mais qui s'adresse non seulement à une cible féminine mais aussi à tout à chacun, du moment qu'on apprécie les bons mots. Et qu'est-ce qu'un bon mot ? C'est justement, celui qui touche, qui invite à réfléchir sur soi, qui donne à voir d'autres visages et d'autres nombrils que le nôtre. Un bon mot est aussi celui qui vous invite à voyager à travers plusieurs styles littéraires, plusieurs histoires et à partager, le temps de quelques pages, le destin d'un personnage à la fois proche de nous et complètement antagoniste.

Dans son dernier opus, Eric Reinhardt se met en scène à travers la rencontre fictive qu'il aurait vécue avec l'une de ses ferventes lectrices. Bénédicte Ombredanne est une professeur de français, habitant dans la région de Metz. Mère de deux enfants, elle mène une vie tranquille en apparence aux côtés de son époux Jean-François.

A travers cette rencontre, l'écrivain nous dévoile la descente aux enfers de cette femme qui finalement s'interroge sur sa propre féminité. Un époux manipulateur, des enfants inconsciemment manipulés, une existence vouée à l'absence et où l'identité de la femme se consume, il n'en faut pas moins pour Bénédicte pour sombrer.

La plume et les mots d'Eric Reinhardt se font témoins des maux de cette femme en plein désarroi. On assiste à l'histoire d'une manipulation orchestrée par un mari violent, sournois et pervers. On croit avec Bénédicte à la résurrection lorsque celle-ci finit par transgresser les habitudes pour se laisser aller dans les bras d'un autre grâce au pouvoir libératoire d'internet et de Meetic. On croit encore à sa sortie de crise et à son envolée quand elle fait un séjour en hôpital psychiatrique et se découvre, à l'instar d'Eric, une passion pour les mots et les lettres salvateurs.

Bouleversant, inquiétant, dérangeant, l'Amour et les forêts fait passer le lecteur par tous les états d'âme. Mais surtout, lorsqu'on finit la dernière page du livre, ce dernier continue de nous hanter après coup. Et c'est là que vient la vraie question qu'a voulu en définitive nous poser Eric Reinhardt. Comment vivre sa vie sans finalement trahir nos rêves ? Bénédicte ne serait-elle pas alors le reflet de chacun d'entre nous ? Tous, quel que soit notre condition sociale, notre sexe, notre éducation, notre vécu, avons ou aurons à un moment donné de notre existence le besoin, sinon la nécessité, de nous poser cette question. Certains décident d'aller voir ailleurs pour redonner sens à leur couple, d'autres bazardent leur quotidien pour aller monter une chambre d'hôtes en Thaïlande, d'autres enfin, choisissent tout simplement d'oublier leurs rêves, de mettre entre parenthèses leurs envies ou leurs ambitions et de faire semblant d'être heureux.

Dans le choix de son titre même, Eric Reinhardt évoque quelque part toutes les vies cachées qui peuplent notre existence. Les forêts sont le lieu poétique et symbolique par excellence où on aime se cacher, où la peur du noir se confond avec la magie des trésors de la nature. Quant à Bénédicte Ombredanne, son patronyme est également un clin d'oeil à cette femme avilie, qui ne vit que dans l'ombre de son mari castrateur.

Bref, l'Amour et les forêts est clairement un roman écrit tout en sensibilité par un écrivain de son temps (et qui a reçu le Prix Renaudot des lycéens) qui connaît parfaitement les femmes mais également la condition humaine. Vivement votre prochain opus Monsieur Reinhardt. Vous me donnez non seulement envie de lire mais aussi envie d'écrire.

Un énième film sur la seconde guerre mondiale me direz-vous et encore la même diatribe évoquant la gloire des héros américains contre l'envahisseur allemand ! Bah oui...et non sûrement pas !

Fury se déroule certes pendant la seconde guerre mondiale mais aborde l'Histoire avec un autre angle. En effet, le film évoque ce qu'on pourrait appeler l'épopée d'une escadre américaine à bord d'un char Sherman. Sous les ordres du sergent Wardaddy, quatre soldats vont s'engager pour une mission ultra périlleuse au-delà des lignes ennemies.

Le film prend place en avril 1945, alors que la fin de la guerre est amorcée. Pourtant, cette fin de guerre sonne aussi comme la volonté, dans sa chaque camp, d'exprimer sa rage, son envie d'en finir, de vaincre aussi le camp adverse. Désespoir, violence, haine, épuisement, amertume, rancoeur, c'est un déchaînement de sentiments mêlés qui s'exprime dans cette fin de guerre. Les personnages sont poignants dans leur douleur de soldat et d'homme (si tant est qu'ils que le mot homme n'a finalement plus de sens pour eux). Ils nous racontent les combats qu'ils ont livrés sur tous les fronts, en Afrique du Nord, en France, en Belgique puis en Allemagne.

La richesse du film, au-delà d'être un opus bien documenté sur la période, tient aussi aux multiples aspects de la guerre qu'on nous laisse entrevoir. Le rapport aux populations civiles est par exemple bien présent. Tout n'est pas noir et tout n'est pas blanc. Et lorsqu'on est embrigadé de force à 15 ou 17 ans, comment peut-on avoir une vision claire de son statut et de la raison pour laquelle on combat ? Et l'amour, peut-on juger ceux qui se sont aimés au-delà des frontières, des différences politiques ou culturelles ? Lorsque la brigade fait escale dans une petite ville allemande, c'est le temps qui s'arrête, celui de la guerre. Une paix fugace s'installe. On rit, on fait semblant de ne plus être en guerre. On s'émeut. On vit, peut-être encore plus intensément, car on sait que la mort nous attend sans doute au prochain tournant.

La notion même de guerre, d'adversaire, de vengeance est omniprésente dans le film et s'incarne naturellement dans la relation qu'entretient le sergent Wardaddy avec son bleu, dactylographe propulsé dans un tank à l'assaut des rebelles nazis. Ce dernier va apprendre la guerre, le combat, la mort, la raison contre les sentiments, le devoir et le sens patriotique. Il pose la question de la légitimité de la guerre, voire de son absurdité à certains moments.

Fury, écho au titre du char commandé par notre escadre américain, est aussi une réussite cinématographique car elle fait appel au talent de plusieurs acteurs. Chacun, à fleur de peau, est force de vérité, de compassion et de courage. Brad Pitt retrouve ici Shia LaBeouf, qu'il n'avait pas revu depuis Inglorious Basterds. Mention spéciale à Logan Lerman qui du haut de ses 22 ans est pleinement légitime dans son rôle de bleu qui découvre la réalité de la guerre. La religion est également partie prenante du film comme un guide spirituel pour chacun de ces soldats. D'ailleurs, un de nos soldats, prénommé la Bible, cite la première épître de Jean "Et le monde passe, et sa convoitise aussi ; mais celui qui fait la volonté de Dieu demeure éternellement". Ces citations de la Bible pourraient faire faire galvaudées, genre référence à une Amérique catholique où le bien triomphe toujours du mal, mais rapportées à aux scènes de huit clos (sans mauvais jeu de mots) dans le tank, devenu pour l'occasion un presque cercueil, elles rajoutent à la force du message du film et au jeu simple et sans fioriture des acteurs.

Alors, oui, je conseille Fury, non pas pour le devoir de mémoire (quoi que...), mais aussi pour la façon de mettre en scène de vrais personnages de cinéma. N'oublions pas non plus que le réalisateur David Ayer s'est s'inspiré de l'histoire vraie de la prise d'assaut de l'armée allemande par un commando américain, installé à bord d'un tank militaire surnommé "Fury". Enfin, signalons l'engagement total de Brad Pitt pour ce film qu'il a coproduit et pour lequel il a même participé à un vrai camp d'entraînement pour se mettre en parfaite condition. Rôle de composition franchement réussi pour cet habitué des campagnes anti-nazis !

Magistral ! Mythique. Bouleversant. Remuant. Magnifique. Non, je ne tarirai pas d'éloges concernant ce que j'appelle un chef d'oeuvre ! Car oui, pour moi, le film de Xavier Dolan est réellement un pur chef d'oeuvre cinématographique qui va même au-delà de ce que j'espérais.

Prendre la plume aujourd'hui pour vous en parler m'émeut d'ailleurs car je me dis que mes mots ne pourront jamais être à la hauteur du talent de ce jeune cinéaste canadien. 25 ans ! Il n'a que 25 ans et une mâturité artistique qui pour moi ne peut que faire l'unanimité.

Mommy, c'est l'histoire d'une mère confrontée au syndrome de TDAH de son fils. Hyperactif et violent, Steve est placé dans un centre spécialisé jusqu'à ce que sa mère décide de mettre fin au cycle des médicaments et de l'internement pour s'en occuper.

A travers le titre Mommy, transparaît le destin d'une mère qui effectivement s'oublie elle-même pour reprendre en main le parcours éducatif et moral de son fils. Mommy, c'est aussi toute l'affection et tout l'amour qui unit une mère à son fils. Un amour inconditionnel, fusionnel et tellement beau qu'illustre aussi l'affiche même du film, qui me fait incroyablement penser au tableau les Amants de René Magritte. S'aimer sans se voir, au-delà des distances, des différences, s'aimer presque d'un amour incestueux, être libre surtout, libre d'être soi et un autre, libre de ne pas être ce qu'on attend de soi, libre d'intriguer au-delà des conventions, autant de thèmes présents dans Mommy.

Puis le duo devient un trio lorsque la voisine vient se mêler de cette relation mère-fils pour apporter son soutien. L'amour devient amitié ou l'inverse. L'espoir repointe le bout de son nez. Parce que croire qu'on peut changer les choses, que la violence n'est pas une fatalité, que son fils est finalement un artiste qu'on n'a pas encore réveillé, qu'il aura comme tout le monde une vie "normale", n'est-ce pas au fond ce qu'on attend de toute maman ? Et cette voisine, qui s'ennuie dans sa vie bourgeoise, qui souffre de bégaiement, va à travers Steve redonner un semblant de sens à sa vie, même temporaire.

Le temps, la contrainte du temps qui passe, est également largement présent dans le film. Un clin d'oeil à la personnalité sans doute du réalisateur, lui-même hyperactif et prodige du cinéma qui vit comme il tourne : dans l'urgence. Il y a évidemment urgence à raconter et à vivre pour Steve comme il y a urgence pour sa mère à livrer son combat pour l'amour. Il y a aussi urgence pour Xavier Dolan de faire exploser sa colère à l'écran pour mieux la canaliser au quotidien. Mommy est en ce sens quelque peu autobiographique.

Mommy est fort en émotions. Mais attention, pas de mélo, à aucun moment. Et même en filigrane, quelques touches d'humour. L'émotion, c'est celle délivrée par la caméra. Un parti pris cinématographique avec un cadrage serré sur les visages, les regards et des travelings pour éloigner le spectateur de ce qui se joue et le laisser se vider de ses sensations pour en retrouver de nouvelles à la prochaine scène. C'est ce qu'on appelle le format 1:1, l'idéal en terme de portrait pour Xavier Dolan et je partage radicalement son point de vue.

Les floutés, les ralentis, les contre jours, la lumière, autant d'effets naturels qui ajoutent à l'émotion. Et la musique ? Moi qui attache beaucoup d'importance à la bande son en général, je peux vous dire que celle de Mommy a du sens, ce qui n'est pas le cas partout. Les musiques sont d'abord celles qu'aime le réalisateur et avec lesquelles il a grandi : Céline Dion (on ne change pas), Oasis (Wonderwall), Dido (White Flag), Craig Amstrong (Childhood) et Lana del Rey (Born to die).

Quant aux acteurs, Anne Dorval et Suzanne Clément, devenues les muses de Xavier Dolan et bien sûr, Antoine-Olivier Pinon. Filmés en toute simplicité, les trois acteurs nous offrent des rôles de composition à la fois vrais et sensibles. La figure maternelle est au coeur de Mommy, Diane Després, et qui se fait appeler Die...comme par hasard. A travers son film, Xavier Dolan rend hommage à toutes ces mères qui portent en elles les problèmes familiaux, qui enfantent dans la douleur et continuent, becs et ongles, à défendre leur progéniture, quitte à en crever ! Mère - fils, une relation qui ne s'explique pas, qui vient des tripes, qu'on a parfois besoin de casser pour mieux s'en libérer mais une relation éternellement belle...

Bref, Monsieur Dolan, malgré votre jeune âge, vous êtes un grand monsieur du cinéma, merci pour ce moment d'intensité émotionnelle. Merci pour la qualité de ce que vous filmez. Et merci aussi pour ce que vous êtes, un écorché vif, un enragé, qui s'en est sorti grâce au cinéma et quelle sortie ! Merci enfin pour votre engagement politique et artistique mais les deux sont liés chez vous. Mommy sera à jamais en moi, maman comme votre héroïne dont la force, la rage, la sensibilité et la beauté mais surtout l'amour qu'elle a pour son fils auront été pour moi comme un message porteur d'optimisme...

Vive le cinéma québécois libre ! Vive encore longtemps la magie Dolan ! Et surtout, j'invite chacun de mes lecteurs à se précipiter voir Mommy.

Avant la grande rentrée littéraire qui s'annonce une fois encore riche de succès et de découvertes, je vous invite à vous plonger dans deux livres qui m'ont accrochée tout l'été.

On commence avec Rien ne s'oppose à la nuit de Delphine de Vigan. Un livre sorti en 2011 et que j'ai mis du temps à lire, de par mon histoire personnelle.

Auteure de No et Moi et Les heures souterraines (tous deux traduits dans 25 pays), Delphine de Vigan a choisi ici de "s'attaquer" à sa propre famille. Le livre est d'une puissance phénoménale. A la fois bouleversant, troublant, violent, le roman nous plonge dans ce qui fut vécu comme un véritable drame personnel. Delphine de Vigan revient sur le parcours familial de sa mère et de ses grands parents. Lucille (la mère de l'auteure) est troisième d'une fratrie de neuf enfants. Une mère présente et ultra dynamique, soucieuse de l'équilibre de la famille. Un père carriériste et pubard. Lucille bénéficie a priori d'un environnement idéal pour se développer et grandir harmonieusement.

Mais à travers le vécu de la mère, les secrets enfouis et les épisodes lumineux de cette vie bourgeoise, surgissent ça et là les événements qui précipitent la mort de cette femme à seulement 61 ans en 2008. Une mort que Delphine de Vigan va jusqu'au bout chercher à expliquer. Une mort qui la confronte aux souvenirs malheureux et aux blessures qui l'ont marquée. Une mort qui au final interroge l'auteur sur le projet même d'écriture, sur ce besoin de remuer le passé pour mieux se réappropier le présent.

Rien ne s'oppose à la nuit bouleverse, remue, rapproche aussi. La réflexion sur le thème omniprésent de la folie nous conduit inévitablement à nous poser la même question que l'auteure : c'est quoi être fou ? La folie peut-elle être seulement passagère ? N'est fou finalement que celui que les événements ou les gens précipitent parfois sans conscience vers l'obscurantisme ?

Les dernières pages sont d'une intensité littéraire qu'il faut absolument prendre le temps de les lire. Bref, Rien ne s'oppose à la nuit est à lire comme on lirait une enquête psychologique plus qu'une simple épopée familiale. Ceux qui comme moi apprécient les mots sauront voir ici la justesse du phrasé d'une auteure qui risque encore de faire parler d'elle sur la scène littéraire.

A peine achevé Rien ne s'oppose à la nuit, j'entame la lecture de Réparer les vivants, nouveau roman de Maylis de Kerangal qui va récolter jusqu'à 7 prix littéraires dont le Grand Prix RTL-Lire et le Prix roman des étudiants - France Culture - Télérama.

Le sujet : le récit d'une transplantation cardiaque. Alors, non, ce n'est pas un roman scientifique même si les étapes cruciales d'une telle opération sont minutieusement racontées par l'auteure.
Réparer les vivants est avant tout une histoire d'amour, celle de parents qui se résignent à la perte de leur jeune fils de 20 ans et qui malgré un deuil violent, vont décider du don des organes de leur fils.

Mourir pour sauver une vie. La réflexion est n'est pas usuelle pour le commun des mortels. Et pendant 24 heures, c'est pourtant celle-ci qui habite les deux parents démunis face au drame.

La force du roman réside dans le style choisi par Maylis de Kerangal. Si le début du livre, véritable métaphore de la vie, nous entraîne malgré nous dans l'univers du surf, il est surtout pour nous l'occasion de plonger dans la personnalité de Simon. Les phrases s'enchaînent, parfois sans ponctuation, comme les vagues annonciatrices de la session de surf la plus attendue. Et puis, on reprend notre souffle avec l'accident qui arrête les pendules et le coeur de Simon.

On découvre tour à tour une galerie de personnages, liés au monde médical ou à l'entourage de la famille de Simon.

Dans Réparer les vivants, j'ai aimé cet ode à la vie et au don d'organe. J'ai aimé surtout la poésie des mots, d'une rare justesse malgré une thématique humaine et morale pas facile à aborder dans nos sociétés occidentales.

Surtout, hasard ou coïncidence, Bashung, l'artiste est encore présent dans ce roman. Avec Rien ne s'oppose à la nuit, Delphine de Vigan avait choisi ce titre en hommage au chanteur qu'elle écoutait en scellant les pages de son roman. Dans Réparer les vivants, Bashung revient au cours d'une scène bouleversante. Marianne, la mère de Simon, dans le refus de la nouvelle, dans l'attente de la suite, quitte l'hôpital, roule jusqu'à un bar de quartier, prend un alcool fort. Et dans ce bar, à cette heure très matinale, Marianne entend La nuit je mens de Bashung.

J'invite chacun à découvrir le style, le ton et la richesse d'écriture de Maylis de Kerangal et à partager avec elle et ses lecteurs, cet ode à la vie...et pourquoi pas à réécouter Alain Bashung !

Une fois n'est pas coutume, ce n'est pas de cinéma que je vais vous parler mais bien de télévision...Enfin, un peu des deux en fait !

Car pendant que certains s'apprêtent à vivre des moments footballistiques intenses, d'autres ont choisi d'autres univers télévisuels...

Si le Brésil est un pays qui donne envie de voyager, de s'évader et de faire la fête, la Nouvelle Zélande est une terre qui prête également à l'envie de dépaysement.

La Nouvelle Zélande, contrée des kiwis et des maoris, c'est justement, cet univers peuplé de légendes et surtout, son pays d'origine, qu'a choisi la célèbre réalisatrice Jane Campion pour camper les héros d'une toute nouvelle série télévisée.

Top of the Lake, c'est son nom, a rafflé tous les trophées de la catégorie mini série au dernier festival de télévision de Monte Carlo, lors de la cérémonie des Nymphes d'Or. Des récompenses vraiment méritées...

Top of the Lake s'ouvre sur l'immersion volontaire d'une gamine de 12 ans dans un lac gelé non loin de chez elle. Appelée en renfort pour mener l'enquête, Robin Griffin, originaire de la région, va découvrir que cette enfant de 12 ans, Tui, est aussi enceinte de 5 mois.

Top of the Lake se regarde comme un film. On est aspiré par la profondeur des paysages, le côté mystique qui se dégage à la fois des personnages et de l'histoire. On retrouve la patte de Jane Campion avec une omniprésence de lumière blafarde et brumeuse, une poésie de tous les instants malgré un genre policier revendiqué.

Les personnages, tour à tour, nous font rentrer dans leur intimité avec à la fois pudeur, réserve et empathie. Tous les personnages de Top of the Lake ont une faille. Quelle qu'elle soit, elle nous invite naturellement à toujours en savoir plus sur eux. Top of the Lake ne cède pas aux nécessités du genre en offrant au téléspectateur son lot quotidien d'étonnement. On est surpris, dérouté, captivé et on en redemande.

Et puis, au fil des 6 épisodes qui composent la série Top of the Lake, on découvre aussi, à l'instar des autres réalisations de Jane Campion, une atmosphère résolument féministe, incarnée notamment par ce camp de femmes, Paradise, où viennent trouver refuge des perdues du système, autour de leur gourou GJ (incarnée par Holly Hunter). Le féminisme est également présent autour du personnage de Tui, pré-adolescente victime de la violence sexuelle, ou de l'héroïne, Robin, en proie à une descente intérieure. Quant aux hommes, ce sont des brutes épaisses, des âmes en peine, des corps meurtris...

Top of the Lake est une réussite à tous les points de vue et d'abord et avant tout, par sa richesse esthétique, empruntée notamment à des références cinématographiques telles que Twin Peaks de David Lynch ou plus récemment, les Revenants, la série française de Fabrice Gobert pour Canal +. Bref, Top of the Lake nous plonge dans un autre monde et vraiment, pour une fois, cela fait un bien fou d'être sous tension !